Cargando...
www.ACIDJAZZHISPANO.com
  Conectar or Regístrate
::  Inicio  ::  Descargas  ::  Tu Cuenta  ::  Foro  ::
Principal
icon_home.gif GeneralShow/Hide content
tree-T.gif Artistas
tree-T.gif Clubs
tree-T.gif Discos
tree-T.gif Charts
tree-T.gif Sellos
tree-T.gif Compilaciones
tree-T.gif Otros Artículos
tree-T.gif Entrevistas
tree-T.gif Electrónica
tree-T.gif Jazz
tree-T.gif Nu-Jazz
tree-T.gif Acid Jazz
tree-T.gif Hip Hop
tree-T.gif Funk / Soul
tree-T.gif Pop/RockNuevo contenido
tree-L.gif Discografía
favoritos.gif NoticiasShow/Hide content
_SOMRESTRICTEDMEMBERS Enviar
tree-T.gif Pasadas
tree-T.gif Buscar
tree-L.gif Por Tema
icon_community.gif DiscusiónShow/Hide content
_SOMRESTRICTEDMEMBERS Foro
audio.gif Audio y VideoShow/Hide content
_SOMRESTRICTEDMEMBERS Descargas
tree-T.gif Videoclips
tree-T.gif Sesiones
tree-L.gif Podcast
som_downloads.gif EnlacesShow/Hide content
tree-T.gif Principal
tree-T.gif Nuevos
tree-T.gif Populares
tree-T.gif Aleatorio
tree-T.gif Añadir
tree-L.gif Afiliadas
icon_members.gif PersonalShow/Hide content
tree-T.gif Mi cuenta
_SOMRESTRICTEDMEMBERS Mensajes
tree-T.gif Perfil
tree-T.gif Tema
tree-L.gif Recomiéndanos
som_themes.gif Galería de Imágenes

correo.gif Contacto

nuke.gif TIENDASNuevo contenidoShow/Hide content
· DiscosNuevo contenido
· Camisetas
 
Buscador
Google
 
Ultimos Comentarios
soulBrother: Crítica de Cappuccino Grand Cafe Lounge, V (4/9)
soulbrother: Crítica de Cappuccino Grand Cafe Lounge, V (2/9)
santi: Crítica de Philly ReGrooved - Tom Moulton (5/10)
Lautrec08: Crítica de Philly ReGrooved - Tom Moulton (3/10)
santi: Yukimi Nagano en Acid Jazz Hispano (19/9)
gean: Yukimi Nagano en Acid Jazz Hispano (16/9)
st25: Crítica de Calle de candela, nuevo EP de G (5/8)
santi: Crítica de Calle de candela, nuevo EP de G (13/7)
St25: Crítica de Calle de candela, nuevo EP de G (13/7)
santi: Crítica de The Main Ingredients, de Down T (9/7)
 
Otras Noticias
· Biografía y discografía de Shaolin Temple Defenders
· Radio Mensual Acid Jazz Hispano en Spotify: Lista Junio 2012
· Os presentamos el proyecto Un planeta de sonidos
· Entrevista a Cosmosoul
· Crítica de Daily Intake, de Hint
· Discos editados en el 2012
· Crítica de This Is Not A Drill, de The Impellers
· Crítica de Can't Kill A Dame With Soul, de Kinny
· Crítica de One Way: Remixes & Rarities, de Lack Of Afro
· Crítica de Renegades, de Mark De Clive-Lowe
· Crítica de Reclamation, de The Strides
· Crítica de Chapters, de Anchorsong
· Crítica de Take From Me, de Dojo Cuts
· Crítica de Lightfalls, de Part-Time Heroes
· Crítica de Look Around The Corner, de Quantic y Alice Russell
· Biografía y discografía de The Soul Session
· Crítica de Toubab Resouled, EP de Alma Afrobeat Ensemble
· Radio Mensual Acid Jazz Hispano en Spotify: Lista Mayo 2012
· Crítica de We Walk Around Like This, de Ray Lugo
· Crítica de JB Reworks, de Whiskey Barons


Mas Noticias!
 
También estamos en
 
Lo más leído de Acid Jazz Hispano
Los 25 contenidos más visitados




LO MÁS VISITADO:

A continuación os ofrecemos la lista de los 25 contenidos más leídos de Acid Jazz Hispano, los más buscados, los más visitados, los que más interesan, en definitiva, los que más personas buscan en google y acaban entrando en nuestra cada vez más completa web. Aquí incluímos todo tipo de contenido, críticas de discos, críticas de compilaciones, artículos... todo lo que no pasa ni un día sin que alguien lo visite. No es que creamos que lo mayoritario es siempre lo mejor, pero da la casualidad de que los contenidos más visitados son los correspondientes a algunos de los artistas y grupos más destacados, los más importantes, y que, por ejemplo, las críticas de compilaciones más leídas se cuentan entre las más prestigiosas. Buena navegación, y recordad que aquí sólo figura una parte de lo mucho que puedes visitar en Acid Jazz Hispano. ¡No dejes de investigar, este es sólo el comienzo!


1. Saint-Germain-des-Prés Café. Crítica de la saga de compilaciones.

El sello Wagram (distribuidor de otra famosa compilación: las del Hôtel Costes, mezcladas y seleccionadas por Stéphane Pompougnac) ha visto claramente dónde estaba el negocio. En editar una compilación en la que se recopilaran algunos de los temas de jazz electrónico más comerciales. No es que el jazz electrónico sea un estilo comercial, no es eso, pero en lo que respecta a este nuevo sonido, convendrán en que hay grupos y temas que se ajustan mejor a los gustos del público mayoritario (el consumidor de nuevas músicas, evidentemente). Se trata de un jazz electrónico con mucho sabor a jazz, al que, sencillamente, se le añade un fondo electrónico que acerca su sonoridad a la música de club. Es decir, mucho swing, high-hat (un tipo de percusión electrónica que imita el sonido de los platillos), saxofón, trompeta… ¿se hacen una idea, verdad? Es, por tanto, un disco muy accesible, casi para todos los gustos, de agradable escucha. Digamos que se trata del álbum perfecto para regalárselo a alguien que quiera introducirse en el nuevo jazz. Por tanto, poco importa que se incluyan temas de jazz-house, nu-jazz o acid jazz, porque prácticamente todos suenan igual. Tanto es así, que cuando suena un tema que varía algo con respecto al patrón general, es recibido con un suspiro de alivio. Es esta última categoría la que eleva el interés de Saint-Germain Café: la inclusión de... Seguir leyendo.


2. St Germain. Crítica de su discografía.

En 1994 se editaba este EP clave pare entender la evolución del francés St Germain. Seis magníficas piezas en las que empezaba a definir y a dejar entrever el estilo que tan popular le haría en Boulevard, y sobre todo, en Tourist. Ludovic Navarre firmó Mezzotinto como St Germain En-Laye, por una cuestión legal: St Germain era uno de los seudónimos que utilizó en el sello Fnac Music Dance Division, pero al constituirse F Com y editar con este nuevo sello, no pudo aún utilizar su nombre artístico, el mismo que, a partir de Boulevard, ha utilizado en todos sus posteriores trabajos. En Mezzotinto tenemos por primera vez al St Germain más abierto a la fusión, concretamente a la fusión entre el house y el jazz (eso sí, de momento todo a base de samples), un jazz-house en el que predomina el house y el jazz (eso sí, de momento todo a base de samples), un jazz-house en el que predomina el house, muy cercano al que, un año después, desarrollaría en Boulevard. El CD se abre con My mama said, un tema en el que logra mezclar la sonoridad jazz de los 30 con la sonoridad house de los 90. Todo un ejemplo de fusión que se ha convertido en un clásico de culto. Lo mismo ocurre con The black man y Walk son lonely, dos temas similares (aunque sólo el segundo se convirtiese en un hit), en los que saca oro (y un prodigioso ritmo) del trabajo con samples. Un procedimiento de composición.. Seguir leyendo.


3. Incognito. Crítica de su discografía.

En 1981, años antes de que Gilles Peterson acuñara el término acid jazz, de la fundación del sello homónimo y de la proliferación de grupos que popularizaron el estilo en todo el mundo, un joven Jean Paul Maunick editó su primer trabajo, el casi legendario Jazz-funk, con un título del todo explícito. Anticipándose en casi una década a la corriente musical de la que es uno de los máximos exponentes (junto al primer Jamiroquai, a The Brand New Heavies y a The James Taylor Quartet, por nombrar sólo los más importantes), Maunick lanzaba su brillante proyecto Incognito (en este álbum puede escucharse el tema del que tomó el nombre) con un álbum que ha se sigue recordando hoy en día, más que por sus propios méritos, por la excepcional e impecable obra posterior de Maunick/Incognito. En efecto, Incognito no habría alcanzado ninguna notoriedad si Jazz-funk fuera su único álbum, porque se aprecia claramente que, más que un primer acercamiento a la personal concepción musical por la que es tan aclamado, se trata de un primer esbozo, una toma de contacto con el mundo de la producción. Y es que Jazz-funk, en vez de proponer una innovadora relectura de la música negra, de la fusión de jazz, funk y grooves, como lo son sus magistrales trabajos posteriores, es una revisión no especialmente inspirada... Seguir leyendo.


4. Matthew Herbert. Crítica de su discografía.

Tercer álbum del músico inglés firmado con su nombre (ha editado álbumes bajo pseudónimos como Doctor Rockit, Wishmountain o Radio Boy) y primer obra maestra. Menos experimental que las anteriores, pero igualmente arriesgada, innovadora, trasgresora y sorprendente. Como principal novedad, la inclusión de voz, la de su pareja Dani Siciliano, lo que contribuye notablemente a que el álbum sea más accesible. Eso sí, no se trata simplemente de temas cantados, en absoluto. Matthew Herbert, original como siempre, nos ofrece un tratamiento de la voz como si de un instrumento electrónico más se tratase. De todos es sabido el tratamiento de los sonidos por parte de Herbert, genio del sampler, que saca temas completos a partir de samplear sonidos cotidianos (el ruido de una bolsa, el de una botella de plástico al ser apretada, los ruidos de una cocina, el claxon de un coche...). Sin embargo, estos sonidos quedan prácticamente irreconocibles en este álbum, convirtiéndose en rítmica, que perfectamente podría provenir de cajas de ritmos digitales (el músico no duda, a veces, en samplear hasta veinte veces un ruido, hasta que adquiera la sonoridad deseada). Este procedimiento sigue siendo la base de los temas de este álbum. En el nombre, Around the house, está la clave de la procedencia de... Seguir leyendo.


5. Hôtel Costes. Crítica de la saga de compilaciones.

En 1999, con la edición de este álbum, nacía la mejor la más exitosa compilación de lounge (y estilos afines: nu-jazz, soft-house, electro-pop…) del mercado, comandada por un inspirado Stéphane Pompougnac, dj francés que se encarga del hilo musical del famoso hotel parisino Hôtel Costes. Sin embargo, antes de ponerme a escuchar este CD, estaba preparado y mentalizado para cargármelo, para escribir una crítica negativa y destructiva, esgrimiendo como principal argumento que las compilaciones no valen nada (aunque sean tan caras...) y que no son más que una forma de enriquecer a productores avispados en detrimento de grupos más interesantes. Al fin y al cabo, el Hôtel Costes es un lugar al que muchos de nosotros no iremos nunca, salvo que queramos dilapidar buena parte de nuestro sueldo o ahorros en una sola noche. Aunque el sitio, desde luego, merece la pena (viendo las fotos del del lugar uno siente unas repentinas ganas de pasar allí una tarde/ noche), y, como sabemos, la música es buena. A finales del siglo pasado, unos cuantos ricos con ciertas inquietudes gastronómica-culturales, o cultural-gastronómicas, según se mire, vieron que, algo tan antiguo como comer con música, tenía su encanto, así que, cada uno de estos ricos, se lo comentó a sus 80 mejores amigos, con lo que rápidamente la moda se extendió y a todos les pareció muy chic.... Seguir leyendo.


6. Jamiroquai. Crítica de su discografía (1ª parte).

When you gonna learn es una edición histórica para el acid jazz (estilo), para Acid Jazz (sello inglés) y para Jamiroquai, posiblemente el grupo más popular (y uno de los mejores) de los pertenecientes a dicho estilo y de los surgidos del sello inglés. La historia es conocida, pero por si todavía hay alguien que no la ha leído o escuchado, la escribo aqui. Un joven inglés, Jay Kay, escribe un tema llamado When you gonna learn, que graba junto a los que fueron los primeros componentes de Jamiroquai: Toby Smith (teclado), Stuart Zender (bajista) y Wallis Buchanan (responsable del característico sonido del Didjeridoo). Eso ocurrió en 1989, pero el tema no vio la luz hasta tres años después, cuando llegó a las oficinas del sello Acid Jazz, que decidió editarlo (hubo varias ediciones, en vinilo de 7", en CD y esta). ¿Pero cómo no iba a querer publicarlo un sello dedicado al acid jazz si When you gonna learn es, sin duda, uno de los mejores temas de la historia del estilo? La composición no sólo llama la atención de la crítica sino que, sorprendemente, se convierte en uno de los éxitos del año. La major Sony huele el negocio antes que nadie y firma un contrato con Jamiroquai por ocho álbumes. El resto es sabido: varias obras maestras y ventas millonarias. En este vinilo se incluyen varias versiones de When you gonna learn, una de ellas valiosísima para los seguidores del grupo: la versión... Seguir leyendo.


7. Daft Punk. Crítica de su discografía.

La “French touch” había nacido a principios de los 90 con el sello Fnac Dance Division, posteriormente reconvertido en el actual F Com, sello cuya brillante e influyente trayectoria ya conocéis todos. No obstante, aunque artistas como Laurent Garnier y St Germain (este último con éxito de ventas incluído, Boulevard) ya habían llamado la atención de los amantes de la electrónica de todo el mundo, no fue hasta la llegada del dúo Daft Punk y su debut Homework cuando en el resto del mundo, y también en el hexágono, se empezó a hablar de la “French touch” y a prestar mucha atención a la música numérica proveniente del país galo. Este primer trabajo, clásico indiscutible, ha quedado como el mayor exponente de la electrónica francesa, el que hizo que los mercados más importantes y con más tradición se rindieran ante la que consideraban una de las escenas más innovadoras y frescas del momento. Por eso Homework está considerado, y estoy completamente de acuerdo, como uno de los mejores álbumes de electrónica y, desde luego, como uno de los imprescindibles de la música de baile. Yo lo considero un gran trabajo a pesar de sus innegables defectos. El primero es su excesiva duración y la inclusión de temas no ya complementarios, sino incluso prescindibles. Pero la duración total... Seguir leyendo.


8. Thievery Corporation. Crítica de su discografía.

He aquí uno de esos escasos debuts tan sólidos, logrados y personales, que cuesta creer que los autores en cuestión no tengan una larga carrera musical a sus espaldas. Cuando un primer trabajo resulta tan deslumbrante como Sounds from the Thievery Hi-Fi, caben pocas dudas acerca de la calidad del grupo, así como de la conveniencia de seguir de cerca su posterior carrera. Es unos de esos primeros trabajos que marcan irremediablemente el resto de ediciones del grupo, en este caso para bien. El dúo estadounidense Thievery Corporation ofrece un trip-hop de sorprendente fuerza, tremendamente enriquecido por la fusión con otros estilos y músicas (véase hip-hop, jazz, percusión india, bossa-nova, ritmos latinos...), con colaboraciones de lujo (Hutchy, Pamela Bricker y Bebel Gilberto, entre otros) y lo suficientemente variado como para no caer en la monotonía propia de buena parte de los álbumes de trip-hop actuales. Lo percusivo, el apartado rítmico, suele predominar sobre la parte melódica, que frecuentemente es un paisaje sonoro de carácter ambiental, sacado del sintetizador, con la añadidura de samplers de voz más o menos exóticos. Esta sencillez, el uso de pocos elementos y el sobresaliente resultado que obtienen Hilton y Garza, recuerda enormemente al... Seguir leyendo.


9. Morcheeba. Crítica de su discografía

Who can you trust?, el álbum debut de Morcheeba, ha quedado eclipsado por su siguiente trabajo, el inmortal Big calm (1998 ), pero aquello que seduce e hipnotiza en el segundo está también presente en este. La unión de los productores Paul y Ross Godfrey y la inolvidable vocalista Skye Edwards ya empezó a estimular las mentes interesadas por las vanguardias electrónicas en 1996, cuando el trío presentó su particular concepción del trip-hop (describo así su música por la comodidad que implica simplificar). En Who can you trust? ya se observa todo aquello por lo que tan celebrado es Morcheeba: las personales y reconocibles atmósferas creadas por los hermanos Godfrey, el uso de samples y cajas de ritmos, su sentido del groove y su imaginativa reinterpretación de las melodías pop. Es como si ya supieran el tipo de música que querían ofrecer al mundo pero aún no fueran capaces de plasmarla tal y como sonaba en sus mentes. No es extraño tratándose de un primer trabajo, y dado que uno y otro álbum son muy similares, no es muy aventurado afirmar que Who can you trust? fue un ensayo para llegar a acariciar la perfección en Big calm. Además de por su carácter de aprendizaje, de borrador del que iba a ser el sonido de Morcheeba, el disco no puede rivalizar en popularidad con algunos de los posteriores... Seguir leyendo.


10. Miles Davis. Crítica de su discografía.

Es complicado apreciar una obra grabada en 1950 con la perspectiva actual, ahora que conocemos la posterior evolución del jazz, pero precisamente por eso podemos admirar la importancia y la impronta revolucionaria de The Birth of the cool, el álbum que definitivamente convirtió a Miles Davis en un músico de prestigio a los dos lados del oceano. Disco-época, que no sólo marcó un antes y un después en la historia del jazz (por no decir en la música del siglo XX), sino que fue el nacimiento de uno de sus principales estilos: el cool jazz. La denominada orquesta Miles Davis-Capitol (porque grabó para Capitol Records entre 1948 y 1950), también conocida como “noneto Capitol” formada en 1948 para actuar en el Royal Roost, interpretó por primera un vez un jazz que se suele indentificar con lo frío (quizá porque nunca llega a ser “hot”, ni siquiera en los momentos más rápidos y rítmicos), más equilibrado y melódico, más sobrio y elegante, logrando un sonido más intimista y, en cierto sentido, relajante. En todo esto tiene mucho que ver la interpretación de la trompeta de Davis, que incapaz de igualar la técnica de Dizzy Gillespie, creó una nueva manera de tocar, sin grandes virtuosismos, con una formación del sonido menos frenética, más lenta. Pero también contribuyó el genial arreglista... Seguir leyendo.


11. The Brand New Heavies. Crítica de su discografía.

The Brand Hew Heavies debutó con este álbum homónimo, convertido en un disco de culto y en uno de los referentes del acid jazz. El grupo británico es uno de los más importantes en lo referente al acid jazz (sino el más importante), así que, lógicamente, su primer trabajo es un imprescindible para cualquier amante del estilo. No es una obra maestra, ni lo mejor de la formación, pero es un álbum muy estimable, que ha envejecido muy bien (sigue sonando tan fresco como en el momento de su edición, aunque ya no resulta tan innovador), y en el que ya se aprecia el enorme talento que la convertiría en un fenómeno internacional. Hay varias ediciones de The brand new heavies, pero esta es la primera, la que editó el mítico sello Acid Jazz Records. Tiene más encanto tener el disco con el logotipo de este sello, pero no incluye el temazo (ahora clásico) Never Stop (apellido de esta web durante muchos años), que sí se puede escuchar en posteriores versiones, entre ellas la editada en Estados Unidos dos años más tarde. Los británicos inauguraron la década y la época dorada del acid jazz sorprendiendo con una música que sonaba retro y moderna al mismo tiempo, setentera pero contemporánea, clásica y tremendamente innovadora. Y no es una paradoja, porque la propuesta de The Brand Hew Heavies consiste en reinterpretar el jaz, el funk, el soul y el r&b de los 70... Seguir leyendo.


12. Buddha Bar. Crítica de la saga de compilaciones

Junto a Café Del Mar, Buddha Bar es una de las sagas de compilaciones más exitosas de todo el mundo, la que ha vendido más copias. Poco importa que a uno le guste o no la electrónica, que se interese o no por las músicas no occidentales (las que suelen denominarse “música world”): las compilaciones Buddha Bar las conoce todo el mundo. Han sonido en todo tipo de locales, seguro que has estado en una fiesta en la eran la banda sonora, y más de una vez habrás visto una enorme pila de la última entrega de la serie en una tienda de discos. También junto a Café Del Mar, es la saga que inició la moda (ahora avalancha) de compilaciones dedicadas a la relajación, al “chill-out”, la que se convirtió en símbolo de un modo de vida. El enorme Buda que figura en las portadas de todas las entregas y que preside el club parisino homónimo, se identifica inmediatamente con la relajación, con la música instrospectiva, y eso no sólo se debe a la imagen que tenemos del budismo, sino al ambiente sonoro creado por Claude Challe en los sets del club y las compilaciones. El artífice de la saga Buddha Bar es el tunecino (francés de adopción) Claude Challe, el hombre que supo ver, antes que nadie, el gran filón que podían representar las compilaciones con un toque exótico, que antes ya había editado tres recopilatorios de éxito, ahora clásicos del género: Les bains... Seguir leyendo.


13. Peter Kruder. Biografía.

El vienés Peter Kruder es uno de los productores más importantes de la escena electrónica mundial. Tanto sus proyectos en solitario como los grupos de los que forma parte son considerados referencias ineludibles para todo aficionado serio de la música numérica. Pero claro, ¿cómo no iba a ser una de las personalidades más influyentes formando parte del revolucionario dúo Kruder & Dorfmeister (junto a Richard Dorfmeister), del trío Voom Voom (junto al dúo Fauna Flash: Roland Appel y Christian Prommer) y de su proyecto en solitario Peace Orchestra? Él sólo ha escrito algunas de las páginas más brillantes de finales de los 90 y del comienzo de este siglo, así que está claro que es un artista cuyo seguimiento recomiendo fervientemente: es un genio con las máquinas. Firmando con su nombre, ha editado un vinilo en Compost Records, Root down, del 2000, además de producir remixes para artistas y grupos tan importantes como Gotan Project, Fauna Flash, Trüby Trio, Count Basic o Bebel Gilberto. También en solitario, el primer trabajo como Peace Orchestra lo tituló, en un alarde de originalidad, Peace Orchestra, editado en 1999. Este larga duración no difiere en exceso, estilísticamente, de lo que venía ofreciendo los últimos años en Kruder & Dorfmeister. Se... Seguir leyendo.


14. Gotan Project. Crítica de su discografía.

Que nadie diga que el tango es un estilo obsoleto, sin reinventarse tras las composiciones de Piazzola. Por si acaso, acá están los pibes de Gotan Project, grupo surgido en 1999 de la unión del productor y compositor Philippe Cohen Solal, francés (fundador de The Boyz From Brazil, Stereo Action Unlimited, The Ya Basta Crew y The Moonshine Sessions), el guitarrista argentino Eduardo Makaroff y el también productor Christoph H. Muller. El resultado es un CD sorprendente lleno de frescura: La revancha del tango. Se trata de una fusión equilibrada de tango y música electrónica, pero gustará más a los amantes de la electrónica, que verán en este álbum cómo se ha explorado un terreno hasta ahora virgen, el del tango. A los puristas seguidores del tango, en cambio, puede que no les guste nada lo que ellos consideran una profanación del estilo musical argentino más genuino. Guste o no, hay que reconocerles al menos su audacia. Además del tango, hay, en menor medida, elementos de jazz-house y de trip-hop. Eso sí, que nadie piense que lo que ofrecen es una versión bailable del tango, en absoluto. La música del grupo franco-argentino está más cerca del downtempo que de la música dance de club. Ya desde el primer tema de La revancha del tango, Queremos Paz... Seguir leyendo.


15. Bajofondo Tangoclub. Crítica de su discografía.

Gotan Project se convirtio en la referencia de la fusión de tango y electrónica con su álbum debut, La revancha del tango, editado justo un año antes del disco que nos ocupa. Dicho proyecto fue creado por un francés Philippe Cohen Solal, producido en Francia y editado por un sello Francés (¡Ya Basta!). Por tanto, por mucho que reinterprera una música argentina, el tango, es un grupo europeo, y aunque uno de sus miembros sea argentino (el guitarrista Eduardo Makaroff), ha sido concebido fuera de la patria del tango. La respuesta argentina a tal fenómeno fue el ambicioso proyecto Bajofondo Tangoclub, que debutó con este álbum homónimo. No ha tenido tanta repercusión internacional (pero eso es una cuestión comercial, que tiene que ver con el funcionamiento de la industria, con la promoción y, sobre todo, la distribución), pero desde el punto de vista artístico, y por proponer una brillante fusión de tango y electrónica, Bajofondo Tangoclub debe situarse justo al lado de La revancha del tango. Este es, por tanto, un álbum imprescindible que funciona a dos niveles: gustará a los interesados por la renovación del tango en clave electrónica, pero también, de manera más general, a todos los amantes de la música numérica. Por último, este es, y no es lo mismo que lo anterior... Seguir leyendo.


16. Thievery Corporation. Biografía

Thievery Corporation es un dúo estadounidense compuesto por Eric Hilton y Rob Garza. Su música está entre trip-hop y acid jazz, enriquecida por multitud de influencias: música brasileña, percusión latina, dub y reggae jamaicano, pop francés, música popular india (con el sitar a la cabeza), electrónica y jazz. Se trata de un trip-hop que tiene poco que ver con el de otros dúos maestros como Air o Kruder & Dorfmeister, aunque las tres formaciones coinciden en un aspecto: su música no es apta para las pistas de baile. Los álbumes del dúo estadounidense son más propicios para la escucha doméstica, a ser posible sentado en el sillón más cómodo de casa o tumbado en la cama, con los ojos cerrados o la luz apagada. Son viajes sonoros en los que la música y la imaginación del oyente se alían para crear exóticos paisajes sonoros. Un trip-hop, en definitiva, apto para un público relativamente amplio (llevan más de un millón de copias vendidas), pero sin perder un ápice de calidad. El dúo se formó en 1995, en Washington DC, ciudad considerada por Hilton y Garza como “la verdadera Babilonia”. Previamente, se formaron musicalmente por separado. Hilton creció en el suburbio de Maryland, como intérprete de guitarra. Debuta pronto como Dj en los ochenta, con sesiones de ska y Northern soul, para posteriormente... Seguir leyendo.


17. Jamiroquai. Biografía

Jamiroquai es una formación inglesa actualmente compuesta por el guitarrista Rob Harris (en el grupo desde el 2000), el percusionista Sola Ackingbola (desde 1995), el batería Derrick McKenzie, el pianista Matt Johnson (desde el 2001), el bajista Paul Turner, que se unió a la banda en Abril de 2005 y, por supuesto, el líder de la formación, Jay Kay, cantante y compositor. Su música ha evolucionado del acid jazz de sus tres primeros álbumes al electro-funk y pop-rock alternativo de sus posteriores trabajos, siempre manteniendo ese gusto por el soul y el disco de los setenta. Temas fundamentalmente bailables, que parecen recién salidos de una discoteca de los setenta, en los que el jazz, el funk, el soul, el disco, la estructura pop y las bases electrónicas se dan cita para poner al personal a bailar. Es, sin lugar a dudas, uno de los grupos más importantes del acid jazz, uno de los que han contribuido más decisivamente a popularizar el estilo. Además, cada nuevo álbum de Jamiroquai es un acontecimiento musical a escala mundial y una garantía de éxito comercial (sus discos se venden siempre por encima del millón de copias). Desde la edición de su primer álbum, en 1993, ha vendido más de veinte millones de copias de sus cinco primeros discos, ha dado cuatro giras mundiales y ha permanecido más de 140 semanas... Seguir leyendo.


18. Nina Simone. Crítica de su discografía

Little girl blue es el álbum debut de Nina Simone, así que sólo por eso ya debe figurar en la historia del jazz, porque supuso el comienzo de una de las carreras discográficas más brillantes que existen (y eso no va dirigido sólo para los amantes del jazz, sino para cualquier oyente con sensibilidad). Por otra parte, he precisado que se trata del inicio de su discografía: su carrera ya había comenzando varios años antes, ya estaba muy curtida como pianista y cantante en locales y escenarios de todo tipo, y eso se nota mucho en este primer trabajo. De hecho, aunque sea su disco de debut, muestra una seguridad y una maestría propia de una artista con más de una decena de álbumes a sus espaldas. Pero claro, eso tiene una explicació fácil: actuaciones diarias en clubs de jazz durante años suponen un aprendizaje que no da ninguna sesión de estudio. Por eso, Little girl blue fue sólo el despegue, no un primer intento con vacilaciones, sino una primera llamada de atención hacia la talentosa figura de Nina Simone. Armada con su poderosa y entrenada voz, su propria interpretación al piano, y con el acompañamiento del contrabajista Jimmy Bond y el batería Albert “Tootie” Heath, Nina Simone da cuenta de clásicos del jazz y de temas pop, iniciando así una característica que define todo su trabajo posterior: su eclécticismo. Ofrece inolvidables versiones de Mood indigo (el clásico de Duke Ellington... Seguir leyendo.


19. St. Germain.

Ludovic Navarre es un compositor francés, mundialmente conocido por su nombre artístico, St Germain. Su música es la perfecta unión entre jazz y house, entre música en directo y samples, entre acústica y electrónica. Una combinación perfecta entre dos mundos que, antes de su llegada, nada indicaba que pudiesen unirse (o, al menos, no tan brillantemente). Ha creado una sonoridad propia, reconocible al instante, un jazz-house que, sin ser bailable, y con menos beats por segundo de lo que suele ser habitual, sí tiene cabida en los clubs. Sin duda, es la figura más importante en lo que al jazz-house se refiere. El único capaz de vender más de dos millones de copias con un álbum de este estilo. Genera innumerables incondicionales fans por todo el mundo, cuyo amor por su música es sólo comparable al rechazo que produce en un número igualmente grande de detractores. Tan adorado como despreciado (pocos artistas han provocado tantas controversias como él), hay que reconocerle su capacidad para llegar a un público muy amplio, y no sólo a los amantes de la música electrónica influenciada por el jazz. Todo componiendo una música alejada de modas y gustos pasajeros, que sólo responde a sus propias inquietudes. Gracias a él, son muchos los que han ampliado sus horizontes musicales, los que han descubierto las inmensas posibilidades... Seguir leyendo.


20. Air. Biografía

Air es un dúo francés compuesto por Nicolas Godin y Jean Benoit Dunckel. Su música es un trip-hop relajante, de tempo lento, de carácter ambiental, muy influenciado por el pop y el rock alternativo y con fuerte presencia de la electrónica (con un uso masivo del sintetizador). Su música es retro-futurista, lo que en la práctica equivale a afirmar que han reciclado elementos del pop/rock de los sesenta y setenta para, con la ayuda de la electrónica (y un sentido privilegiado de la melodía) reconvertirlo en música futurista “que parece flotar por el espacio”. Una fusión de música atmosférica y pegadizas (además de preciosas) melodías que harían las delicias de maestros como Vangelis o Jean-Michel Jarre. Una música, en definitiva, ideal para la escucha doméstica, no pensada para las pistas de baile. Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel crecieron en Versailles (por lo que no es extraño que, para muchos, sean considerados los reyes franceses del trip-hop), pero no se conocieron hasta que coincidieron en el mismo colegio. Dunckel era compañero de Alex Gopher en el grupo Orange, y éste último le presentó a Godin. Tras la marcha de Gopher, los dos franceses siguieron juntos, formando, en 1995, el dúo Air. A partir de entonces, editan una serie de singles en los sellos Mo Wax y Source, remezclan a Depeche Mode y a... Seguir leyendo.


21. Listado de artistas de electrónica.

Este es un listado de artistas y grupos relacionados con la música electrónica. El objetivo de esta lista es que, tras llegar aquí desde la bio de un artista que ya conocéis, descubráis otras propuestas que os puedan interesar. No es una lista exclusivista ni estricta, pues se trata de expandir el horizonte sonoro. Además de los referentes imprescindibles de electrónica, aquí encontraréis otros artistas asociados con el estilo, aunque sólo sea minimamente, a pesar de que únicamente lo hayan desarrollado en unos pocos temas de su discografía, puntualmente. También figuran aquí aquellos vocalistas que han colaborado asiduamente con artistas de electrónica, los compiladores de recopilatorios sobre el género, los directores de los principales sellos que lo han desarrollado y, también, aquellos que, sin indificarse claramente con la electrónica, sí han creado algún tema representativo o han sido incluidos numerosas veces en compilaciones del estilo. En definitiva, aquí está reunido el universo electrónica, desde el núcleo hasta las manifestaciones periféricas. ¡Ánimo, hay mucho que descubrir!... Seguir leyendo.





22. Kruder & Dorfmeister. Crítica de su discografía.

Con G stoned empezó todo: la creación de uno de los sellos más influyentes del momento y el nacimiento de una nueva concepción del trip-hop que, sin duda, marcó un antes y un después para este estilo. Sólo cuatro temas que hicieron del dúo austriaco una de las formaciones más prometedoras del momento. De ciertos Eps se puede afirmar con tranquilidad que, de no haberse publicado, en nada hubiera afectado el devenir de un estilo. No se puede afirmar lo mismo al respecto de G stoned, un EP sin el que el buena parte del trip-hop producido durante los últimos años no sonaría igual. Constante punto de referencia, tras este EP, Kruder & Dorfmeister han conseguido que Europa mire atentamente hacia viena. Los cuatro temas son cuatro cimientos del trip-hop dowtempo, en el que la melodía juega un papel fundamental. Una acertada elección de la instrumentación (nada corriente: xilófono, flauta, armónica...), un privilegiado sentido del ritmo y una magistral capacidad para mezclar todos los elementos dan como resultado cuatro deslumbrantes cortes que, una vez escuchados, permanecen en la memoria. Con un debut de esta magnitud, no es de extrañar que Kruder & Dorfmeister estén considerados en la actualidad como los abanderados de un estilo que empezaba a acercarse a un peligroso impás creativo. El dúo austriaco Kruder & Dorfmeister, considerado hoy en día como una de las parejas más gloriosas del trip-hop, debutaba en el largo con... Seguir leyendo.


23. Miles Davis.

Miles Davis es, junto a Louis Armstrong, la gran figura del jazz, y no me refiero sólo a su popularidad (es conocido incluso por aquellos que nunca han escuchado uno de sus álbumes, es un icono de la música), sino a que ambos lo hicieron avanzar. Claro que, en el caso de Davis, se puede afirmar que lo revolucionó, hasta tres veces además. De hecho, desde finales de los 40 hasta principios de los 70 (y hay quien lo alargaría hasta dos décadas más), encabezó cada innovación del jazz. Fue el creador del cool jazz, el estilo que mejor se adapta a su manera de tocar la trompeta (al menos más que el bebop), a finales de los 50 introdujo el jazz modal (que se basa, para la improvisación, en escalas y no en acordes) y, finalmente, en 1969, ofreció la primera fusión válida de jazz y rock, iniciando asi el estilo conocido como Fusion. A partir de entonces, su carrera no fue tan brillante, aunque en los 80 siguió experimentando, influenciando a la escena electrónica y hasta siendo uno de los pioneros en la fusión de jazz y rap. Por eso existe la opinión de que el jazz ha dejado de evolucionar a partir de su muerte (1991), aunque yo creo que eso no es del todo cierto teniendo en cuenta que el nu-jazz, sobre todo a partir de la segunda mitad de los 90, ha iniciado una nueva evolución, gracias a St. Germain, Matthew Herbert y compañía... Seguir leyendo.


24. John Coltrane. Crítica de su discografía.

Alfred Lion, director del sello Blue Note, y John Coltrane jamás firmaron un contrato, pero su acuerdo verbal fue sucifiente para que el saxofonista grabase un álbum para el más prestigioso sello de jazz (¿sería posible un acuerdo así en el tercer milenio, sólo con un apretón de manos?). Es el único que editó para Blue Note, pero basta para dejar su huella en dicha discográfica, porque Blue train no es sólo uno de los grandes discos de Coltrane, sino uno de los más destacados del jazz de los 50 y, sin exagerar, de toda la historia del género. Esplendoroso hard-bop clásico (todo lo clásico que puede ser el saxofonista) servido por una formación antológica o, lo que es lo mismo, una de las mejores secciones rítmicas que acompañó jamás a John Coltrane y en la que todos los miembos, además, contribuyeron con deslumbrantes solos cuando lo ocasión lo requirió. Blue train es, al mismo tiempo, la consolidación de nuestro protagonista como un gran líder y su despertar como gran compositor, faceta, esta última, en la que no deja lugar a dudas con los cuatro originales aquí incluidos. El disco se abre con el tema que le da el título, una de las composiciones más recordadas y celebradas de John Coltrane, en la que, partiendo de una melodía de blues, desarrolla una asombrosa improvisación con sus inimitables... Seguir leyendo.


25. Pulp Fusion. Crítica de la saga de compilaciones

Pulp Fiction alude a un tipo de cómics que se editaban en unas hojas de mala calidad, denominadas “pulp”. Esas hojas normalmente servían de sorporte a historietas de dibujantes poco inspirados. Por extensión, posteriormente, para referirse a los cómics de serie B, de dudosa validez narrativa (normalmente los cómics de acción, de invasores extraterrestes, de super-héroes…), aquellos que tenían como único propósito entretener (aunque se basaran en la constante repetición de los mismos esquemas narrativos), se utilizaba el término Pulp Fiction. De modo que, aunque la editorial publicara el cómic en el mejor papel que hubiera en el mercado, si al crítico de turno le parecía un cómic de escasa hondura intelectual, seguramente lo etiquetara como Pulp Fiction. Lo que pasa es que muchas generaciones de soñadores niños (y no tan niños), crecieron leyendo estos cómics porque, a falta de televisión, videojuegos y otro tipo de entretenimientos contemporáneos, era una de las mejores formas de pasar las tardes. Son muchos los que, antes de conciliar el sueño, imaginaban que detenían a ladrones y gángsters, o los que se vieron exterminando a gigantes y viscosas criaturas extraterrestres con forma de gusanos. Por eso cuando el director de cine Quentin Tarantino, uno de los niños que crecieron leyendo esos cómics... Seguir leyendo.




Otros artículos:

SELLO DE CALIDAD ACID JAZZ HISPANO SELLO DE CALIDAD ACID JAZZ HISPANO.

Lo mejor de la actualidad musical Lo mejor de la actualidad musical.









Escrito y publicado por Santiago Tadeo Cervera.

Copyright © por www.ACIDJAZZHISPANO.com Derechos Reservados.

Publicado en: 2006-09-22 (7525 Lecturas)

[ Volver Atrás ]
Creador de la Web: Antonio Borrero

Webmaster: José Antonio de la Jara
Director de Contenidos: Santiago Tadeo.


Colaboradores de Contenidos: Rubén Santana, Óscar Morales, Alex Sampedro, Isaac Peces, Miguel Angel Godoy, Pablo Antón Mira.


Agradecimientos: Jordi Alvarez, Jose Nebot, Edu Moratinos,Robez_,Santi Mamajón, Jorge González, Fernando Ramos.



Web site engine code is Copyright © 2003 by PHP-Nuke. All Rights Reserved. PHP-Nuke is Free Software released under the GNU/GPL license.
Nuke ET Copyright © 2004 por Truzone.


:: Elektro phpbb2 style by Totoelectro :: PHP-Nuke theme by www.nukemods.com ::